Over tid dukket det opp et stort antall skoler og stiler av tsubako -mestere i Japan, ulike teknikker ble utviklet, populære historier dukket opp, og selvfølgelig ville historien om tsubah være ufullstendig uten å nevne dette.
Sannsynligvis den eldste teknikken for etterbehandling av tsuba er å etterligne grov smedsarbeid på overflaten, slik at spor etter hammerarbeid er tydelig synlige på den smidde platen og … det er det! Noen master (eller kunde) kunne godt ha begrenset dette. De sier at det viktigste i et våpen er bladet, ikke tsuba. Men det grove smedarbeidet kunne godt ha blitt supplert med små sakura -kronblad fra en hvit legering som ved et uhell syntes å ha falt på metallet, eller en liten demon laget av kobber eller bronse med sølvtenner, klør og sikkert gullarmbånd på hendene kunne sitt der! Det er ingen tomt her, men … det er direkte snev av mestring og samtidig … om karakteren til mesteren tsubako: ja, men jeg er slik, jeg har råd til det, jeg er en mester!
Det gjennomskårne ornamentet tilhører også de eldgamle eksemplene på å dekorere overflaten av tsuba. For eksempel kan det være en hieroglyf eller mon - det personlige emblemet til en samurai, som var tydelig synlig da sverdet var i beltet hans. Samtidig understreket tsubas generelle enkelhet bare funksjonaliteten: det var absolutt ingenting overflødig i det! Men mesterens fantasi kunne manifestere seg selv i en så begrenset teknikk. For eksempel kunne han registrere ti små sirkler i tsubas sirkel, og deretter slå ut for eksempel et paret utskåret ornament i hver av dem og … det er det!
Noen ganger er hele overflaten av tsuba jevnt eller "stykker" fylt med etterligninger av forskjellige kunstige eller naturlige materialer. Det ser ut til å være et enkelt arbeid, men faktisk var det nødvendig å ha betydelig dyktighet for å oppnå en nøyaktig samsvar med analogen av det avbildede materialet, mens diskréens diskretitet bare understreket den utsøkte smaken til mesteren og eieren av sverdet.
Dette kan for eksempel være en tsuba, hvis overflate så ut som om den var laget av et stykke bark eller gammelt treverk. Denne effekten ble oppnådd ved å behandle den med en meisel, det vil si ved gravering på metall. På samme tid ble uregelmessighetene og lagene av barken gjengitt så dyktig at det langt borte virket som om det var et ekte tre, og bare nært kunne man se at det fremdeles var metall. Nakago-ana i dette tilfellet satte den vertikale aksen, men barkens tekstur til venstre og høyre speilet hverandre, noe som selvfølgelig ville være helt umulig hvis det var et ekte tre.
Nanakoteknikken ("fiskeskala") regnes som en av de mest arbeidskrevende, men den ser veldig imponerende ut på produkter, og derfor var den veldig populær blant de rike. Essensen var å påføre små granulater med en diameter på ikke mer enn 1 mm på metalloverflaten. Alle pellets var av samme diameter og ordnet i rader eller rundt omkretsen. Den klassiske nanakoteknikken ble også brukt til figurerte komposisjoner sammensatt av små "flekker" laget av forskjellige granulater. Det kan være gonome-nanako (granulat med skarpt skisserte kanter), og nanakin (granulater proppet på overflaten gjennom gullfolie) og nanako-tate (granulater arrangert i rette linjer)-her kan Tsubakos fantasi virkelig være ubegrenset.
En veldig populær type tsub -design var et sirkulært arrangement, og her er grunnen. For det første var japanskens spesielle tilknytning til alt som på en eller annen måte har en sirkelform, her viktig. Selv i antikken ble rituelle figurer av Haniwa rundt gravfelt og hauger plassert i konsentriske sirkler, og eventuelle runde hull i Japan har alltid blitt ansett som mulige dører til åndernes verden. Sirkelen symboliserte også ikke bare solen og månen, men også elementenes konstante bevegelse, deres variabilitet, strømmen av en type materie til en annen, og til og med det uendelige.
For det andre var tsubas runde form også populær på grunn av funksjonaliteten, fordi den først og fremst var nødvendig som en vektlegging, og dette tvang skaperen til å bygge komposisjonen fra sentrum til kantene. Tross alt var selve senteret okkupert av nakago-ana og en eller to hitsu-ana, som etterlot lite rom for å plassere figurer og bilder rundt dem. I tillegg måtte sammensetningen kombineres med heftet og bladet og alle de andre detaljene i sverdet, som igjen lettest ble oppnådd hvis figurene ble plassert langs kanten av mimi på tsuba av en rund form.
Sammensetningen av en slik tsuba kan være ekstremt enkel. For eksempel krysantemumblomster som ligger på den i en sirkel, eller krøller av skyer som løper etter hverandre. Det er klart at den japanske mesteren ikke ville være japansk hvis han hadde de samme blomstene og skyene, noe som ikke kan forventes på japanske produkter selv i prinsippet.
Noen ganger kan et utskåret mønster også skrives inn i sirkelen til en tsuba, som alle består av seil som blåses opp av vinden eller piler som flyr i vinden. Eller det kan være en krabbe med åpne klør eller bambusstilker, på den ene, bare ved å se nøye på, kunne man se en figur av en gresshoppe eller en øyenstikker mesterlig laget av gull. Imidlertid ble det som ble avbildet på tsuba vanligvis ikke gjort etter mesterens innfall - jeg vil gjøre hva jeg vil - men inneholdt en dyp mening og var en viktig påminnelse om samurai -dyder. Så irisblomsten var et symbol på samuraiklassen, og bambus var et symbol på hans utholdenhet og utholdenhet. Bildet av horai - kjempehornet til yama -bushi - av de gamle krigerne i Japan, hadde først og fremst en hellig betydning, siden dette hornet, laget av et stort havskall, kunne blåses både på slagmarken, gir signaler, og under forskjellige religiøse seremonier.
Hullene på hitsu-ana vakte ofte også oppmerksomheten til mesteren, og i den generelle tegningen på tsuba var de forbindelsesleddet til en bestemt komposisjon. For eksempel kan tre fjerdedeler av tsubas plan fylle en tegning, og hitsu-ana i dette tilfellet ble dets uavhengige element.
Interessant nok skildret tsuba -tomtene veldig sjelden noe krigslignende eller, for eksempel, et slikt rovdyr som en tiger. I det overveldende flertallet av tilfellene var bildet på det ganske fredelig, diskret og veldig lyrisk, som selv navnet deres snakker om. Sommerfugler og blomster, vannhjul, vel, fire paraplyer, sky og Fuji. Tomtene "Crane" og "Crab" er veldig populære. I det første tilfellet er en kran med spredte vinger innskrevet i en sirkel, og i det andre - en krabbe med spredtang! Det er til og med en tsuba som Temple Gate. Og det dukket opp, mest sannsynlig, etter at samuraiene - eieren av sverdet, besøkte Ise -tempelet (for en japaner er det det samme som for en muslim å besøke Kaaba!), Og ville at andre skulle vite om det. Tsuba "Bow and Arrows", med bildet av en bue og to flygende piler, ser litt mer krigførende ut. Men dette er snarere et unntak fra regelen om ikke å plassere bilder av andre former for krigføring på den, men der det er komplekse komposisjoner med figurer av kjempende mennesker og guder på overflaten av tsuba, kan du se en rekke typer Japanske våpen.
I dag har tsuba blitt en populær samleobjekt og har fått et liv adskilt fra sverdet. Spesielle utstillingsbord og veggstativer, malte oppbevaringsbokser er laget for dem - med et ord, i dag er de allerede mer gjenstand for brukskunst enn en del av et dødelig våpen. Det er også viktig at tsubaene er dyre: det er 5 tusen, 50 og 75 tusen rubler hver. Prisen avhenger av begrensningsperioden, og kvaliteten på utførelsen og mesterskapsgraden, så i dag er det ikke bare en slags fritid, men også … en utmerket måte å kapitalisere dine gratis penger på!
Forfatteren uttrykker sin takknemlighet til selskapet "Antiques of Japan" (https://antikvariat-japan.ru/) for informasjonsstøtte og fotografier.
